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「Galileo Galilei 全部開放するんじゃなくて、知りたい人にはわかるヒントがあるっていう作品にしたい」


Galileo Galileiが約1年半ぶりのシングル『恋の寿命』をリリースした。耳にすんなりと馴染むギターロックでありながら、音楽マニアを唸らせるようなこだわりが絶妙な“隙間”と共に配置された奥深い楽曲だ。また尾崎雄貴の歌詞は、これまでの寓話性を伴ったものからよりリアリティのあるものになり、瞬間の“気分”を自在に描き出す。今回はこれまであまり触れてこなかった“言葉”にスポットを当てながら、今の彼らのムードをあぶり出してみたい。

――『恋の寿命』は奥深い曲ですね。パッと聴くと耳馴染みのいいギターロックなんだけど、ちゃんと聴くと音楽マニアを唸らせるようなことをやっているのがわかる。どういうふうにして出来た曲ですか?

尾崎雄貴(Vo.&G.)「曲自体は『See More Glass』より前からあったんです。去年の渋公ワンマンの頃にリードっぽい曲を作ろうって作って。その未完成のデモにアニメの『まじっく快斗1412』のタイアップの話がきたんで、アレンジし直して録音した感じですね。だから今のモードとか今自分たちの見せたいものっていうところじゃなくて。『See More Glass』からのシングルカットみたいな感じ。もちろん音とか細かい部分に関しては、いつもどおりこだわってやったんですけど」

――音数は多くないけど、ギターの展開がどんどん変わっていくし、リズム隊、シンセ、コーラス、それぞれのパートに存在感があって飽きさせない曲だなと。

雄貴「そうですね。ドラムは特にこだわりました。ドラムの音が良くないと全部良くなく聴こえる、っていう考え方だから。ドラムは時間かけたよね」

尾崎和樹(Dr.)「ベードラ(ベースとドラム)で一日かけた」

佐孝仁司(B.)「そのあとギターも録ったよね」

雄貴「そうだ、けっこうハイペースで録ったんだ。シングル曲ってけっこうレコーディングに時間もらえるから、2、3日かけて録っていいときもあるんですけど。今回は自然にスピーディーに録れたっていうか。ベースとドラム先に録って、ギターも録っちゃって。歌もその日のうちに仮歌入れて、みたいな。もともとセッションで作った曲だから、今までみたいにまだ素材しかないものにアイデアを載せていくっていうよりは、最初からあったアイデアをより良く演奏するっていう録り方が出来たんで。俺ら歌、ベードラ、ギターを3点って呼んでるんですけど、それが録れた時点でもうそんなに音いらないよねってなる曲ってなかなかないんですよ。でもこの曲は3点録れた時点で、あとシンセくらいじゃない?みたいな感じだったんで。音の隙間を作ったり、ベースとドラムの絡みみたいなことに今までより時間をかけられた。あと俺、何かわかんない音ってあんまり好きじゃなくて。今回は生の録り音を活かしてやりたいねっていうのがテーマとしてあったんです。キックの音がすごくいいとか、スネアの材質は鉄なのか木なのかブラスなのか、何のスネア叩いてるのかとりあえず自分たちだったらわかる、くらいのレベルまで持っていきたくて。例えば今『PORTAL』の音源を聴いても何の楽器で録ったかぜんぜんわかんないんですよ。覚えてないっていうのもあるし、音を加工しすぎてて自分たちですらあの楽器かなっていうのがわからなくて。でも今回は例えば5年後に聴き返しても、スネアはあれだったねとかいうのを覚えていられると思う」



――素敵だね。それでいてありがちな音じゃない、聴いたことないような音になってる。

雄貴「そこは目指してるところっていうか、他と違う音が録りたいんで。スタジオで最近出てる邦ロックバンドの音源を同じスピーカーで聴いて、そこから無理矢理離す、みたいな(笑)。その邦楽の音にもいいところはあるんだけど、それすらも排除して、みたいな考えでやってたり。ぜんぜん関係ないけど何故かデヴィッド・ボウイ聴いてたり」

――全体的にどこか70年代の香りがするんだよね。

雄貴「そうですね。表面の印象としては邦ロックっぽいと思うんだけど、フレーズの抜き差しとかシンセのフレージングの抑揚とか、いかにもそれっぽくならないようにこだわりました。シンセのフレーズが入ってきて、そのままループでAメロ鳴ってて、さらにその上にギターを重ねてっていうアレンジってすぐに出来るし、それだけでシングルっぽくなるんですよ。そこを今回はあえて避けて、音が薄くなることも恐れずにフレージングも考えたんで。それは70年代っていうかフリートウッド・マックとかから学んだことだったり。音を似せていこうってことじゃなくて、俺らなりの解釈で聴いてたアーティストの方法論みたいなものをいろいろつまんでいったっていうか。その結果、先行して公開したミュージックビデオの時点でかなり評判良かったんで。その評判の良さと自分たちで聴いてもいい音録れたなって思うのが両立できたからすごく満足してます。いいレコーディングが出来たなって。それは技術的なことより、今のメンバー間の空気っていうか、フラットな感じが良かったんだと思います」

――和樹くんは、すごくドラムの音にこだわったでしょう?

和樹「はい。音数が少なくなると抑揚のなさっていうのがかなり顕著に出てくるんで、単調なリズムだからこそスネアを叩く位置とか、ライドを叩くにしてもカップ側を叩くかエッジ側を叩くかでもぜんぜん音が変わってきたりっていうのを、今回はかなり意識して。ドラムとベースだけでも聴けるくらいの強弱があって、ドラムとベースだけ聴いてもどういう曲かっていうのが想像つくくらい曲に対してのアレンジを仁司と一緒に考えました。久しぶりにベードラふたりでスタジオに入って、ディレクターの中山さんに相談しながら、ここはベースこうなってるからキックはこう合わせてっていうふうに延々やって作ったんで。今回かなりそういう部分では、作り込んだかなっていうのはあります」

――ベースの音もすごくいい。

佐孝「ありがとうございます。今回はプレベ使ってます。確かにベースとドラムでけっこうリハしたかも。いつも俺らがする方法として、俺だけラインで録って、和樹と同じブースに入って、和樹とライブと同じくらいの距離で顔見合わせて、そのラインで録った音をあとでアンプで出して、そのアンプの音を録るっていうのをやってるんですけど。だからライブ感はあるかも」

――あと今回、改めて雄貴くんの書く歌詞に注目したんだけど。男の人の書く歌詞って情景とか風景が多いと思うんだけど、雄貴くんは“気分”を言葉にすることができてる。それはすごく稀なことなんじゃないかと思ったんです。

雄貴「確かに俺が知ってる男性アーティストも気持ちより情景とか風景のほうが多いかも。そういう気持ちの部分を書きたいっていうふうに自分では明確に思ってて。なんでかっていうと自分自身が風景とか綺麗な言葉が並んでるものより、主人公はどんな気持ちから歌ってるのかとか、ここで気持ちが変化したとか聴いてても読んでもわかる歌詞が好きだから。そういう歌詞がいい歌詞っていう自分の中のルールがあるんで。やっぱり周りと違うものを描きたいっていうのがあるし、あと中学生の時からくるりが好きだったんで、その影響もあると思う。くるりの歌詞って気持ちを気持ちよく言葉に載せるのがすごく上手いんです。むかしからそういうのが好きだったから、今までずっとそうしてきてますね」



――今回は今までの“気持ち”より、“気分”っていう印象が強かったんです。以前のファンタジーの要素から本質が表れるような歌詞から、だんだんリアリティのある歌詞になってきたけど、そこを気分で歌ってるから生活感にならずに、ちょうどいいところに着地してる感じがする。

雄貴「“気持ち”じゃなくて“気分”っていうのは、すごいおもしろいかも。確かに最近、気分を書きたい感じはあるかも知れないです。俺、10代の頃スーパーカーも好きだったんだけど、スーパーカーの歌詞も気分だなって思う。最近The SALOVERSと2マンやった時に、(The SALOVERSをプロデュースしている)いしわたり淳治さんに歌詞の秘密とか聞いてすごく嬉しかったんです。スーパーカーを聴いてた10代の時の気持ちは、ずっとあるんだなって淳治さんと話して思った」

――気分っていうのは気持ちよりも瞬間のことで、詩的なものだと思うんだけど、ナルシスティックになってしまうとちょっと違うよね。

雄貴「それはかなり意識してて。俺らの判断基準ってはっきりしてて、キモいかキモくないか、カッコイイかカッコ悪いかなんだけど。何がっていうのはメンバーで話すし細かく考えてるんだけど、パッと見の感覚を大事にしてて。それは気分を書けてるかとか、自分に酔いすぎてないかとかで。でも、自分の好きなミュージシャンには少しは酔っててほしいし、そこの按配っていうのは大事だなと思ってて。それに毎回良くなってないといけないと思うし。でも歌詞って毎回テーマが変わっていくし、音と違って練習すれば良くなるとかいうものじゃなくて、いつのまにか自分が変わって目指してるところとぜんぜん違うところに行ってたり、どんどん悪くなっていったりっていうことに気づきにくいから。毎回冷静になって一回読んで、っていうのはやってます」

――どの音にどんな言葉を載せるかっていうのも重要なのかなって。一回聴いただけで耳に残るような。

雄貴「それはもちろんそうなんだけど、全部飛び込んでくる言葉ってそんなにないと思ってて。それこそ童謡みたいな感じになっちゃうんじゃないかって。邦楽の歌詞で言ったらキリンジとか好きです。歌ってて得意になれる歌詞っていいなって。いい具合に文学的だなと思ってたら子どもでもわかるような言葉が出てきたり。キリンジはそのへんがすごく素敵だなと思う。最近のレコーディングでもキリンジをずっと歌ったりしてました。文字面を見ても、漢字でいいじゃんってところもひらがなを使ってたり、歌詞にも文章にもリズムってあるんだなって。リズムがあるのは音楽だけじゃないんだって思うから、そこはどんどん良くしていきたいです」

――あと個人的に思うのが、いい言葉でも聴き慣れすぎた言葉って誰が歌ってるのかわからなくなる。その人の姿が見えてこないなと思ってしまう。

雄貴「そこは音との違いですよね。音はルーツに則ったフレーズがあって、例えばジャズのミュージシャンのフレーズをブルースのミュージシャンが真似するとかそういうのってありだと思うけど、歌詞だとただの引用になっちゃうから。歌詞こそいっぱい読んでないと、これいっぱい使ってるってことがわかんないじゃないですか。自分がこれキタ!って思った言葉が当たり前に使われてたら嫌だし。だからタブーも出てくるんですよ。“桜舞い散る”とか絶対使わない(笑)。ネットの掲示板みたいな言葉遣いもしたくないし、音楽に対してと同じように、言葉に対しても真面目でありたい。そこさえ守っていればいいのかなって」

――歌詞を書くのは楽しい?

雄貴「楽しいです。サウンドはどんなに洋楽っぽくしたかったとしても俺が邦ロックをイメージして作ったものを、仁司と和樹が途中からどんなにがんばってもある程度までしかいかない。でも歌詞ってそういう縛りがまったくないから。別に俺らがどこの国の人で誰だろうがなんとでもやりようがあるっていうか、自由度がすごい高いから。しかも誰でもある程度は書けるし。なのに日本ではすごく大事なものとして捉えられるから、歌詞って当たり前のことだけどめちゃめちゃ大事だなって。『See More〜』くらいから再確認してますね。同世代のミュージシャンとかにサウンドだけじゃなくて、あいつよりいい歌詞書きたいぜって思いが湧くようになってきてて。良くしたいって気持ちとナルシストな感じって近いところにあるから、すごく慎重にやらないといけないなって思うんですけどね。音とまったく離れた世界にあるわけじゃないけど、音とはまた違う世界にひとりでいる気持ちで書かなきゃいけないから。考えてみたら、今は比重が歌詞にシフトしてる。音の部分とか楽器の部分を当たり前にできるようになったから、一回アーティスティックな部分に戻ってこれてるのかな」

――どういうものが描けるか描けないかっていうのは、つまるところ、どういうふうに暮らしてるか、なんだろうね。

雄貴「そうですね。その人の生活感って音にも歌詞にも出ちゃうから。すごい気を遣ってるところだったりして。日本の音楽は低年齢化してるけど、海外のミュージシャンって若くても音楽的な精神年齢が高いと思うんですよ。クール、スマート、賢そうっていうイメージがあって、俺はそこが好きで。最近俺ら、3人バラバラに暮らすようになったんですけど、今バンドとして大人になっていくタイミングなのかなと思ってて。一緒に暮らすことである意味子どもでいられたし、孤独を感じることもなかった。でも、これからはそれぞれが好きなことをやっていく時期なのかなって。あと、バンドとしてのこだわりをどう処理していくか、っていうのが今の課題。意味のあるこだわりを見つけていきたいっていうか。例えば一個の楽器の音にすごいこだわってやっても、思ったような曲に乗って伝わらないと自己満足に終わるじゃないですか。そういう状況がずっとあったから。今回のカップリング2曲はベードラ以外全部宅録で、アンプも使わずにソフトのギターで録ってるんです。チープならチープでいいや、肩の力抜いてやろうって。そういうぼんやり録ったものと、めっちゃ力入れて録ったものは違って聴こえるのかなっていう好奇心もあった。全部開放するんじゃなくて、知りたい人にはわかるヒントがあるっていう作品にしたいと思って」


photo:青柳 唯

――そうなんだ、『いやしらんけど』は確かに今までにないラフさがあるよね。特にアウトロのベースの泥臭さとかすごくいい。

雄貴「あれはまったく展開が決まってなくて、何も決めないで仁司とふたりでブブブ〜てやってて、とりあえずフェードアウトした感じです。意図がない(笑)。今までは真面目すぎて意図がないことはやっちゃダメって思ってたところがあったんだけど、今回はそういうふうに適当こけたところがあった」

佐孝「初めてデモを聴いたのがレコーディングの3、4日前で。とりあえずベードラアレンジ考えないといけないから和樹とスタジオ入ったんですけど、予定してたアレンジの方向と二転三転して。もともと女の子に歌ってもらおうと思ってた曲を雄貴が歌うことになったんで、キーを下げなきゃいけないから4音とか下げて。じゃあドラムもっと速いほうがいいよねとか、不安で仕方なかった(笑)」

和樹「レコーディング直前でこんなに不安になるのは初めてなんじゃないかくらい。ほんとに1日で録りきれるのかってくらい何も決まってなくて。でもやってみるとそこまでむずかしいことやってるわけじゃないんで。肩の力を抜かないでやるとたぶん時間がかかる曲なんだけど、肩の力を抜くと案外簡単に出来る曲っていうか。肩の力抜いてやる用の曲、みたいな(笑)。そういう意味での曲としてはいい感じに出来たんじゃないかと思います」

雄貴「しかも、曲聴いた人たちからそこをいいって言ってもらえて。ここで得たものを最近のレコーディングでも活かせてるんですよ。守るところは守って、守らなくてもいいところは外していって。力の抜き加減で言うと、Wilcoみたいな感じ」

――コーラスもそれぞれの曲でいいフックになってるよね。仁司くんや和樹くんも歌ってるの?

雄貴「歌ってないです、俺ひとりでやってて。まだふたりに任せる勇気がない(笑)。でもコーラスでフレーズを作ったり展開を生み出したり、ギターフレーズと同じくらいのフックにできるようになってきたなと思います。楽器録り終わったあとコーラス入れたことで激変することもあるんですよ。それは『ALARMS』でのクリス(チュウ/POP ETC)とのレコーディングが大きかった。どの段階に来てもフックは作れるってことをクリスから学んで。あと、むかしは作曲とアレンジが一緒だったけど、今はアレンジを仁司と和樹が担ってくれてるから、自分は作曲してるっていう感覚になりました」

――ガリレオの次の展開がとても楽しみです。

雄貴「今は驚きのシングルを書くことよりも、アルバム通して名盤って言われるようなものを作ることに情熱が向いてて。インプットの時期ですね。音楽業界の真ん中にあるものからなるべく隠れて、でも忘れられないように『恋の寿命』みたいな曲を出して、あとはドラゴンボールみたいに修行していればいいんじゃないかと思う。で、いつか飛び出るタイミングが来たら、絶対伝え方を間違えないようにしたいなって。今作ってる音源はけっこう冒険してるんです。『恋の寿命』みたいな作品は今回でおしまいになると思うし、次からガラッと変わるんじゃないかな。リスナーを振り回したいなってまた思い始めてる(笑)」



Galileo Galilei(ガリレオ・ガリレイ)
尾崎雄貴(Vo, &G)、佐孝仁司(B,)、尾崎和樹(Dr,)による3ピースバンド。’07年に稚内で結成、’10年にメジャーデビュー。’13年、POP ETCのクリストファー・チュウをプロデューサーに迎えてアルバム『ALARMS』を、’14年にはミニアルバム『See More Glass』をリリース。邦楽ファンのみならず洋楽ファンからも支持を集める。10月17日の札幌 PENNY LANE 24を皮切りに全国5か所を巡るワンマンライブツアー「Galileo Galilei "broken tower tour"2015」を開催する。


『恋の寿命』


初回限定通常盤
SECL-1650
¥1,350 (tax in)
[特典] 『まじっく快斗1412』描き下ろしワイドキャップステッカー仕様/『恋の寿命』TVバージョン収録

通常盤
SECL-1649
¥1,300(tax in)

<初回限定通常盤>
1. 恋の寿命
2. いやしらんけど
3. Sports
4. 恋の寿命(TV Ver.)

<通常盤>
1. 恋の寿命
2. いやしらんけど
3. Sports



◆Galileo Galilei "broken tower tour"2015

2015.10.17(Sat)
会場:PENNY LANE 24(札幌市西区二十四軒4条5丁目
5-21 W'Sビル)
OPEN 18:00 START 18:30
出演:Galileo Galilei
料金:adv.¥3,800 (1ドリンク¥500別途)
問:マウントアライブ 011-211-5600





http://galileogalilei.jp/
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